TÍTULO: Lip Sync
AUTOR: Gloria R. de la Calle Nieto (G de la K)
AÑO: 2025
FORMATO: Vídeo
DURACIÓN: 6’32»
FICHA DE LA OBRA ORIGINAL
| TÍTULO | Lip Sync |
| AUTOR | Bruce Nauman |
| AÑO | 1969 |
| TÉCNICA | Vídeo monocanal |
| DURACIÓN | Aproximadamente 8 minutos |
| FORMATO | Blanco y negro, sonido |
| SOPORTE | Cinta de vídeo |
| DIMENSIONES | Variable según la instalación |
| UBICACIÓN | Diversas colecciones y museos, incluyendo el MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) |
| GÉNERO | Performance en video |
| TEMÁTICA | Lenguaje, percepción, sincronización, desajuste entre imagen y sonido |
| CONTEXTO | Videoarte y performance en la posguerra, exploración del cuerpo como medio artístico |
| DESCRIPCIÓN | Nauman repite la frase lip sync mientras la imagen y el sonido se desfasaban, creando una desconexión entre el cuerpo y el lenguaje. |
| CONCEPTO | Explora la percepción del tiempo y la sincronización entre imagen y sonido, cuestionando la relación entre el lenguaje y la identidad. |
ENLACES INTERESANTES RELACIONADOS
https://www.moma.org/collection/works/107669
https://www.eai.org/titles/lip-sync
https://www.youtube.com/watch?v=hbT9GGJdKOs
https://lesoeuvres.pinaultcollection.com/en/artwork/lip-sync-0
https://www.vdb.org/titles/lip-sync
https://www.artgallery.nsw.gov.au/collection/works/309.2007/
COMENTARIO
En Este reto he decidiDo reinterpretar Lip Sync de Bruce Nauman porque me parece muy interesante la exploración de la voz y el cuerpo en el espacio audiovisual, y me atrae profundamente la investigación sobre la percepción y la identidad. En mi versión, me grabé con un teléfono Samsung s22 ultra repitiendo una frase similar, permitiendo que la sincronización entre la imagen y el sonido se desfasara gradualmente, generando una sensación de extrañamiento. A diferencia de la obra original, mi grabación fue realizada en formato vertical y a color, lo que introduce una nueva capa de contemporaneidad al contraste con el video en blanco y negro de Nauman, tratando las imágenes y el audio para acercar su formato a la composición original. Como el resultado final se logra en postproducción, evidencia la mediación tecnológica en la construcción de la percepción.
Nauman me interesa porque su trabajo desmantela lo que damos por sentado: la coherencia entre lo que vemos y lo que escuchamos. En esta obra descubrimos que la más mínima alteración en la sincronización afecta profundamente la percepción de la pieza. Al igual que en la obra original, la voz se convierte en una entidad separada del cuerpo, creando una disonancia que desafía nuestra comprensión del tiempo y el espacio y que en un plot twist inesperado cambia del ritmo de la propia repetición de “lip sync” para decir “sincronía” coincidiendo con el movimiento de los labios y comenzar de nuevo en un buble infinito.
En esta exploración, el artículo de The Quietus resultó fundamental para entender el papel del sonido en una performance, ya que analiza cómo la voz puede convertirse en un material plástico, una herramienta que genera presencia y ausencia simultáneamente. En mi versión de Lip Sync, he intentado potenciar esta tensión, jugando con la fragmentación de la identidad a través de la repetición y el desfase y lo inesperado. La voz, al desligarse del cuerpo, se convierte en un eco de sí misma, un vestigio de la presencia en el espacio digital.
Por otro lado, esta experiencia también me ha hecho reconsiderar el concepto de presencia en el arte, en relación con The Artist is Present de Marina Abramović. Mientras Abramović trabaja con la inmovilidad y la conexión directa con el espectador, Nauman y esta versión de su obra abordan la desconexión y la fragmentación. En mi interpretación, el cuerpo sigue presente, pero la voz escapa, creando una sensación de pérdida y extrañeza que cuestiona la estabilidad de la identidad en un mundo donde la comunicación está mediada por pantallas y algoritmos.
Al finalizar la grabación y edición del vídeo, me embriagó una sensación de inquietud porque la versión digital de mí misma ya no me pertenecía del todo. Mi voz estaba atrapada en una repetición desajustada, como si fuera una entidad autónoma que se resistía a ser controlada. A través de esta experiencia, se pone de manifiesto que la obra de Nauman sigue siendo relevante porque nos enfrenta a la fragilidad de nuestra percepción y nos obliga a preguntarnos qué significa realmente estar presente en un mundo cada vez más mediado por la tecnología.
BIBLIOGRAFÍA
Bishop, C. (2012). Artificial Hells: Participatory Art and the Politics of Spectatorship. Verso Books.
Elwes, C. (2005). Video Art: A Guided Tour. I.B. Tauris.
Jones, A. (2011). The Artist is Present: Artistic Re-enactments and the Impossibility of Presence. TDR (1988-), 55(1), 16-45. The MIT Press.
Lucier, A. (1995). Reflections: Interviews, Scores, Writings, 1965-1994. MusikTexte.
MoMA. (n.d.). Bruce Nauman: Lip Sync (1969). Museum of Modern Art.
The Quietus. (2013). Coming Twice: Why Do Artists Feel Compelled to Reenact Past Events? The Quietus.
UbuWeb. (n.d.). Bruce Nauman: Film & Video Archive. Retrieved from https://ubu.com.
Vidiella Pagès, J. (2022). Fundamentos del performance art. UOC.
Vidiella Pagès, J. (2022). Introducción a los lenguajes de la performance. UOC.
Wands, B. (2007). Art of the Digital Age. Thames & Hudson.
Debate0en RETO 2. ACTIVIDAD FLASH DE INTERPRETACIÓN
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Hola Estefanía, encantada de saludarte.
Me ha gustado mucho tu elección de la performance. En cuanto a tu reinterpretación, creo que has logrado resignificarla de manera que se vuelve algo más social y política que la original. Elegir la playa me parece que refuerza el doble sentido de la acción, por un lado la idea del miedo y la necesidad de protección, y por otro, el gesto de ignorar problemáticas tan urgentes y actuales como la crisis migratoria del mediterráneo.
Tu guiño a Ana Mendieta también me parece muy acertado en cuanto al modo en que se relacionan los elementos naturales en la performance. Ese cuerpo en contacto con la tierra, el agua o la arena, puede simbolizar varias cosas a la vez, refugio y pérdida, y en tu caso además, se conecta con la invisibilización de ciertas realidades.
Tu referencia a la expresión “bury the head in the sand” creo que añade nuevas capas de significado a la obra original. También me llama la atención lo que mencionas sobre el re-actment como herramienta de aprendizaje y democratización del arte. En mi versión de Semiotics of the Kitchen, también he buscado actualizar una performance feminista para conectar con problemáticas actuales. Creo que en ambos casos hemos transformado una performance en algo que continua dialogando con la sociedad contemporánea reforzando la idea de que esas obras siguen vigentes y pueden ser reinterpretadas desde distintas perspectivas.
En cuanto a tu decisión de no editar el vídeo, ¿cómo crees que hubiese cambiado la percepción del espectador si hubieses introducido algún tipo de montaje o sonido, habría afectado a la sensación de crudeza que has querido transmitir?
Enhorabuena por tu trabajo.
Un saludo
Begoña
Hola Begoña, gracias por tus comentarios y siento contestarte tan tarde, entre que el folio no me funcionaba y me operaron la semana pasada he dejado esto un poco en pausa.
Pues en cuanto a lo que me preguntas creo que hubiese desviado un poco la atención si hubiese hecho algún tipo de montaje, varios planos o añadido música, como que en realidad no apartaban nada. En sí todo me parece muy «teatral» como escoger ese punto de vista, la vaya de fondo, el sonido de las olas, los restos de las cañas.. Entonces no quería que fuese demasiado exagerado a pesar de la localización. Quizá podría haber probado más cosas pero me salió así
Me ha gustado como has adaptado tú también el video mítico de Marta Rhosler. Un saludo, nos vamos viendo :)