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Debate0en Performance Entrega 4.3 | Abrir la Valla
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Debate0en Reto 4. 3 – Segunda iteración de la performance
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Debate2en R4.1 – Primera Interacción
- Andrea El Ameri says:
Hola Chicas! Gracias por compartir esta propuesta. Me parece muy valioso cómo han conseguido generar un espacio de intimidad y apertura en un entorno virtual, donde muchas veces prima la desconexión emocional. Coincido contigo en que hay algo profundamente político en crear vínculos afectivos con personas que no conocemos, en permitir que la vulnerabilidad tenga lugar incluso a través de una pantalla. Esa decisión, en sí misma, me parece un gesto fuerte y significativo.
Dicho esto, me surge una reflexión en torno a los límites entre lo performático y lo que podríamos entender como una acción personal o relacional. Me pregunto hasta qué punto esta experiencia entre dos compañeras, por más cargada de sentido que esté, se sitúa dentro del marco de una performance como intervención artística. ¿Qué lo diferencia de un encuentro íntimo espontáneo o de una conversación profunda entre amigas? ¿Qué hace que esto se constituya como obra, más allá del deseo de compartirlo?
También me interesa pensar cómo podría expandirse esta propuesta si saliera del marco privado. ¿Qué sucedería si esta lectura de tarot digital se ofreciera a otras personas en un espacio público, o si se abriera a múltiples lecturas simultáneas? ¿Cambiaría su carácter performático si hubiese una irrupción en lo cotidiano, o una exposición del acto en otro tipo de espacio?- Judith Peris Gatell says:
Hola, Andrea.
Gracias por compartir esta propuesta, que me pareció tan poética como política en su planteamiento. Me llamó la atención la forma en que lograste construir un espacio íntimo desde un soporte digital, algo que no siempre es fácil. La vulnerabilidad que mencionas está presente no solo en el vínculo generado, sino también en cómo decides compartirlo, sin protegerlo ni estetizarlo en exceso.
Tu reflexión sobre los límites entre lo performático y lo relacional es especialmente interesante. Coincido contigo en que uno de los grandes desafíos de este tipo de trabajos es definir qué convierte una experiencia privada en una acción artística. Y, en tu caso, creo que es justamente esa voluntad de exponer el encuentro con todas sus capas la que lo convierte en performance: no solo el momento, sino la forma en que lo piensas, lo editas y lo compartes, habilita su lectura desde una mirada artística.
Me resuena también lo que planteas sobre la posibilidad de abrir la experiencia a otros. La idea de una lectura de tarot expandida o pública me parece una vía muy potente para una futura iteración. Podría incluso tomar la forma de un ritual colectivo, un gabinete móvil de introspección guiado por IA, o una intervención donde otros espectadores reciban su “carta” leída desde tu misma lógica. Esta expansión podría reforzar la dimensión relacional, permitiendo que otras voces completen la acción.
Finalmente, me parece que la propuesta gana valor cuando se sitúa en diálogo con otras prácticas contemporáneas que, como la tuya, exploran nuevas formas de relación a través de dispositivos digitales. Hay algo muy contemporáneo en no renunciar a lo afectivo pese a lo artificial. Gracias por eso.
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Debate4en Performance Entrega 4.1 | Picnic del Barrio
- Jordi Ferreiro Ouro says:
Hola Estefanía,
Me parece muy potente el gesto que propones, precisamente por su sencillez. Hacer un picnic en ese contexto dice mucho sin necesidad de grandes formas. Se me ocurre que el registro podría explorar una mirada externa, como si alguien del barrio os observara desde fuera; creo que eso podría sumar una capa muy interesante al relato.
También pensé en el trabajo de Lois Weaver, que convierte lo íntimo en acto público desde el cuidado, la conversación y la escucha. Creo que te podría inspirar.
¡Un abrazo!
/Jordi
- Estefania Hormigo Mata says:
Gracias Jordi!
Estaba pensando en lo del registro y aún no lo tengo claro, pensé en una cámara barata de las de amazon para no tener que preocuparme y así como tú dices tener el registro de la mirada externa, porque colocar un trípode o que alguien grabe creo que quizá intimidaría. Aún así siendo práctica creo que colocaré la cámara al fondo, para no tener que preocuparme de que se caiga, se mueva o se la lleven. Pero tendré en cuenta lo que me dices para darle una vuelta.
No conocía a Lois Weaver, muy buena referencia, me gusta tb el trabajo que hace con su pareja.
- Judith Peris Gatell says:
Hola, Estefanía.
Gracias por compartir tu propuesta, que me parece no solo valiente sino muy necesaria. “Picnic del barrio” activa de forma clara y eficaz una dimensión política que interpela directamente al contexto urbano, económico y social de Málaga, y más específicamente al barrio de la Trinidad. Tu decisión de situar el cuerpo y el gesto cotidiano del picnic en un solar afectado por los procesos de gentrificación, convierte una actividad aparentemente banal en una forma de ocupación simbólica y crítica del espacio.
Uno de los aciertos más potentes de tu propuesta es cómo vinculas tu propia experiencia y trayectoria (como en el proyecto fotográfico “Ciudad Redonda”) con una acción performativa. El picnic no se presenta como una solución, sino como un acto de visibilidad, una manera de evidenciar los límites entre lo público y lo privado, lo legal y lo legítimo, lo habitable y lo expulsado.
La referencia a Fina Miralles y al colectivo Reclaim the Streets aporta un marco conceptual sólido. En particular, me gusta que plantees la acción no como un espectáculo sino como una presencia, abierta incluso al fracaso o al desalojo. El hecho de que la duración esté sujeta al cansancio, la luz o la intervención externa, añade una dimensión performática genuina: es el entorno el que determina en parte la obra.
Si en futuras iteraciones decides ampliar la participación, incluso desde lo informal (vecin*s que se acercan, conversaciones espontáneas), podrías abrir nuevas capas de sentido sin perder la intimidad del gesto original.
Gracias por ocupar un lugar que muchos no quieren mirar. Tu acción resignifica el solar como lugar de vida, resistencia y memoria urbana. Espero con interés el registro final.- Estefania Hormigo Mata says:
Oh gracias Judith, que bonito lo que escribes. Aún no tengo claro qué hacer, si quedarme quieta, si hacerlo sola o como tú propones interactuar. Esta semana probaré. Gracias de nuevo :)
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Debate3en RETO 2.1 Actividad Flash de Interpretación
- Mónica Gómez Sánchez says:
Hola, Judith, me ha encantado tu representación de One and Three Chairs, por afinidad, es decir, se me podría haber ocurrido a mí perfectamente (que no ha sido el caso ;)), pero sí he trabajado de manera similar porque mezcla los dos contextos, hibridar lo analógico y lo digital. Yo me he forzado a operar desde otra perspectiva, utilizando el texto como “cuerpo”.
Pero a lo que vamos, actualizas la obra original al contexto digital y tecnológico contemporáneo. Al introducir el iPad y la proyección como elementos centrales, expandes la reflexión de Kosuth sobre la representación y el significado de los objetos hacia una dimensión mediada por las pantallas y la virtualidad.
En común, tanto en tu obra como en Presión Social, trabajamos con el lenguaje y la imagen como medios de reflexión sobre la realidad, aunque en enfoques distintos (como ya decía). En tu caso, el uso de dispositivos digitales transforma la pregunta sobre qué constituye una silla en una cuestión sobre la relación entre lo tangible y lo inmaterial en la era digital. En mi propuesta, la palabra no solo describe una situación, sino que genera una experiencia de conciencia sobre la presión social. Lo dicho, utilizamos el lenguaje y la representación para generar nuevas lecturas de nuestro entorno, desde perspectivas individuales.
Que vaya bien. Saludos y muchas gracias.
- Cristina Fernandez Marquez says:
Hola Judith
¡Qué interesantes tus (¿tres?) sillas!
Tu propuesta es una buena reinterpretación artística, ya que mantiene la esencia y el tema de la obra original, cuestionando la relación entre lenguaje, imagen y objeto, reflexionando sobre los sistemas de representación y las relaciones que tienen estos con los objetos en diferentes medios. Es interesante que hayas incorporado a través del vídeo capas de temporalidad, dinamismo y acústica, generando una nueva relación entre obra y espectador.Tus sillas aportan nuevas perspectivas al diálogo sobre la representación:
La proyección de la silla mantiene la esencia de la silla fotografiada de Kosuth, sólo que mantiene un grado de iconicidad ligeramente al tratarse de una proyección. Por otro lado, este cambio localiza la silla dentro del propio espacio representativo. La silla física, real, participa en la performance no sólo figurando sino también ejerciendo se asiento. La definición de la silla en vídeo, aporta tiempo, tu voz e imagen como artista performer.
- Laura Verger Hernández says:
Hola Judith,
Me parece muy interesante la performance que has decidido reinterpretar y, digo reinterpretar y no copiar porque encuentro que has conseguido a la perfección la acción o consecuencia que el autor quería conseguir, pero llevada a tu terreno y pudiendo adaptarla a la imagen contemporánea actual.
La incorporación de la imagen en la pared introducida con un proyector y el hecho de que la entrada del diccionario sea una entrada accionada por un IPad a través de internet encuentro que hace que tu performance sea más excepcional, es otra nueva forma de que el público pueda conectar con la obra de distinta manera pero que sostenga el mismo resultado que la original.
Me ha gustado que tu forma de interactuar con el elemento sea el poder usar el objeto, el ver la imagen en la pared y el que puedas leer a la vez la definición, ya que encuentro que puedes observarlo con todos los sentidos y además añades la tecnología a la obra, haciendo que, además de tratar la obra artística como tal, puedas convertirte tu o el espectador en parte de ella.Un saludo!
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Debate2en Entrega 2.1.Re-acment de Avestruz-Ostrich de Olga Diego
- Begoña Álvez Souto says:
Hola Estefanía, encantada de saludarte.
Me ha gustado mucho tu elección de la performance. En cuanto a tu reinterpretación, creo que has logrado resignificarla de manera que se vuelve algo más social y política que la original. Elegir la playa me parece que refuerza el doble sentido de la acción, por un lado la idea del miedo y la necesidad de protección, y por otro, el gesto de ignorar problemáticas tan urgentes y actuales como la crisis migratoria del mediterráneo.
Tu guiño a Ana Mendieta también me parece muy acertado en cuanto al modo en que se relacionan los elementos naturales en la performance. Ese cuerpo en contacto con la tierra, el agua o la arena, puede simbolizar varias cosas a la vez, refugio y pérdida, y en tu caso además, se conecta con la invisibilización de ciertas realidades.
Tu referencia a la expresión “bury the head in the sand” creo que añade nuevas capas de significado a la obra original. También me llama la atención lo que mencionas sobre el re-actment como herramienta de aprendizaje y democratización del arte. En mi versión de Semiotics of the Kitchen, también he buscado actualizar una performance feminista para conectar con problemáticas actuales. Creo que en ambos casos hemos transformado una performance en algo que continua dialogando con la sociedad contemporánea reforzando la idea de que esas obras siguen vigentes y pueden ser reinterpretadas desde distintas perspectivas.
En cuanto a tu decisión de no editar el vídeo, ¿cómo crees que hubiese cambiado la percepción del espectador si hubieses introducido algún tipo de montaje o sonido, habría afectado a la sensación de crudeza que has querido transmitir?
Enhorabuena por tu trabajo.
Un saludo
Begoña - Estefania Hormigo Mata says:
Hola Begoña, gracias por tus comentarios y siento contestarte tan tarde, entre que el folio no me funcionaba y me operaron la semana pasada he dejado esto un poco en pausa.
Pues en cuanto a lo que me preguntas creo que hubiese desviado un poco la atención si hubiese hecho algún tipo de montaje, varios planos o añadido música, como que en realidad no apartaban nada. En sí todo me parece muy «teatral» como escoger ese punto de vista, la vaya de fondo, el sonido de las olas, los restos de las cañas.. Entonces no quería que fuese demasiado exagerado a pesar de la localización. Quizá podría haber probado más cosas pero me salió así
Me ha gustado como has adaptado tú también el video mítico de Marta Rhosler. Un saludo, nos vamos viendo :)
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Debate2en RETO 1 Actividad flash de presentación
- Judith Peris Gatell says:
Hola, soy Judith, artista visual y estudiante de Bellas Artes. Mi trabajo explora la conexión entre lo divino y lo material, utilizando la luz como símbolo de creación e inspiración. Me gusta experimentar con distintos materiales y técnicas para transmitir la capacidad transformadora del arte. Disfruto viajar y crear, explorando nuevas perspectivas que nutren mi proceso artístico.
- Vadim Ibragimov says:
Hola Judith!
Yo también pensé en ello inmediatamente, ya que es una muestra extremadamente impactante de interpretación y emoción. Hace poco lo volví a ver con una amiga y, como era la primera vez que lo veía, acabó llorando.
Me ha parecido muy interesante tu elección de ‘The Artist is Present’ de Marina Abramović, especialmente por la manera en que explora la conexión humana a través del silencio y la mirada. Su capacidad para generar un impacto emocional tan fuerte solo con la presencia y el tiempo me recuerda a ‘The Maybe’ de Tilda Swinton, la performance que elegí para mi presentación. Aunque ambas comparten el uso del cuerpo como eje central y la ausencia de palabras, su enfoque es distinto: mientras Abramović establece un diálogo silencioso con el público a través del contacto visual, Swinton se aísla en una vitrina, convirtiéndose en un objeto de contemplación. Me resulta fascinante cómo, a pesar de estas diferencias, ambas performances provocan introspección y una fuerte carga emocional en el espectador. Me ha hecho reflexionar sobre cómo el arte de la performance puede transformar el espacio y el tiempo en experiencias profundamente significativas. Marina, a pesar de su inmovilidad, participa de forma activa en su obra, mira al observador, hay una especie de acción en ella. Tengo entendido que Tilda intentó literalmente ignorar a tanta gente como pudo, lo que demuestra la diferencia de enfoques. Gracias por su elección.
VIE
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Debate4en RETO 1.1 / Presentación
- Mónica Gómez Sánchez says:
Buenas noches Estefania,
Me ha resultado curioso que hayas elegido a Valie Export, no solo por la manera en que su obra cuestiona las dinámicas de poder y los roles de género en el espacio público, sino porque su enfoque me remite a ciertos momentos de mi propia experiencia creativa y vital. Me hizo pensar en esos momentos en los que te encuentras con “gente haciendo cosas” sin tener del todo claro qué está ocurriendo, sin necesidad de etiquetas, ya sea por falta de referencias o porque simplemente se está explorando colectivamente.
Me parece fascinante Body Configurations y, aunque nada de lo que mencionas me es ajeno, nunca he vivido estas experiencias como una “performance” en sí misma. Tal vez por eso, con el tiempo, fui construyendo mi propio discurso en torno al cuerpo y su significado en distintos contextos. Pero me ha hecho preguntarme: ¿cómo podría retomarlo en primera persona de manera que me resulte orgánico para el TFG, me sería posible?
Al compararla con la performance que yo analicé, Performance in the Ramsbott Home de Nam June Paik, claro que ambos artistas buscan desafiar estructuras establecidas, aunque cada uno recurre a métodos distintos. Export lo hace desde un enfoque feminista y con intervenciones urbanas, mientras que Paik se apoya en la tecnología y la desmaterialización del cuerpo. Ambos comparten la idea de que una performance no termina en el acto en sí, sino que la documentación y el registro forman parte de su significado.
También veo diferencias en el uso del espacio. En tu ejemplo, la calle se convierte en un lugar de confrontación social, mientras que, en mi caso, la casa y el hogar funcionan como una extensión del cuerpo y de la percepción. Así, ambos trabajos expanden los límites de lo que puede considerarse una performance, pero lo hacen desde perspectivas muy distintas.
Un saludo. Nos leemos.- Estefania Hormigo Mata says:
Gracias por tu comentario Mónica, me alegro mucho de que te sientas identificada con la obra de Valié Export y por otro lado creo que el espacio público puede ser un gran «laboratorio» donde experimentar las diferentes acciones que podemos hacer. Seguro que algo de esto puedes aplicar al TFG, aunque no sé que tienes pensado.
Un saludo! nos vamos leyendo sí, perdona que vi tarde el mensaje
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- Laura Verger Hernández says:
Buenas tardes Estefanía!
He elegido tu entrada ya que la artista que has escogido me ha llamado bastante la atención y encuentro que se puede relacionar en manera con la performance que he escogido yo, en cuanto a los actos de poder relacionar el cuerpo con algo más allá de lo que podemos ver u observar normalmente y hacer de éste una exploración más allá de los sentidos.
Me llama la atención de la performance que has escogido el hecho de que la artista pueda tener la confianza suficiente sobre sí misma como para poder demostrar sus prácticas a un público el cual no está preparado para ello, y no hablo solo de la época, sino también de la escenografía. Ya que no es lo mismo ver este tipo de prácticas en museos o espacios cerrados que en medio de la calle y menos con un público conservador, como has dicho tú.
Creo que ahora estamos un poco más acostumbrados a ver este tipo de performances, pero no deben dejar de sorprendernos las pioneras que empezaron a demostrar que, por mucho que creamos que no, somos nosotras las que marcamos los límites de nuestro cuerpo a la hora de exponernos y, que muchas veces podemos ir mucho más allá.
Un saludo!Laura
- Estefania Hormigo Mata says:
Hola Laura, sí me gusta también que sea un gesto simple, que algo tan sencillo como «sacar al perro» pudiera ser algo tan rompedor. Además sin usar algo muy provocador como podría ser un desnudo, sangre o cosas tipo así, que la verdad que hoy en día tampoco nos sorprenderían mucho.
Un saludo
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Debate0en ¡Bienvenidos y bienvenidas!
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Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.
Muy buenas Julio,
Tu acción cuestiona la división tradicional entre cultura y naturaleza, un tema que Miralles plasmaba en sus trabajos.
Cuando conviertes el cuerpo en tierra fértil, nos retrotraes millones de años donde las células se abrían paso en la naturaleza en la formación
humana, estábamos fusionados con la naturaleza. Cuestionas esa división.
Vemos una metamorfosis, cuando el cuerpo esta cubierto de hojas se crea un ecosistema, un espacio o receptáculo diferente
de germinación. En el S.XXI cuando el hombre interviene en la naturaleza y construye cosas artificiales moldeando esta naturaleza a su antojo,
nos preguntamos en muchas ocasiones donde esta esa división con la naturaleza, y la siguiente pregunta podría ser, la esencia del hombre es más
pura al desnudo o cubierto de hojas y raíces. En esa transformación circular de desecho, decadencia y reconstrucción o renacimiento pasando de
hombre – naturaleza – hombre, existiendo una hibridación.
Es un acto de fortalecimiento y resistencia poética, cuestionando esa división entre hombre y tierra. Remarcas la fragilidad
y fugacidad de la existencia en un marco de regeneración crítica. Pieza enmarcada en el retro-post-humanismo, la evolución mirando hacia
nuestras raíces. Has abonado tu trabajo de manera muy creativa e interesante.
Hola Julio! :)
Magnifico uso tanto del cuerpo como de la fotografía, la colocación de ambos tu mismo con las hojas, crea un matrimonio muy bello para la vista. La metáfora de ser la tierra fértil en la que crece la naturaleza me parece muy hermosa; hay una cierta reconciliación con la naturaleza del cuerpo humano y un gran apoyo de la mente sobre el cuerpo, que rechaza la perspectiva individualista y se incorpora al éter.
He echado un vistazo al trabajo de Fina Miralles, creo que la idea y el enfoque son similares. Pero creo que su perspectiva era casi desde el punto de descomposición, los árboles la sustituyen y la cubren, ella se consume por la naturaleza que la rodea. En tu obra, la posición y el espacio, el cuerpo desnudo, la forma ondulada de todos los elementos naturales, representas más una simple danza o comunicación con el elemento de la naturaleza. Parece una captura de un momento de una danza o algo así, definitivamente hay más fluidez y paz.
Con tu ojo para la composición fotográfica y la estética, creo que dar el salto al formato de vídeo es una obviedad. Incluso un clip de 10 segundos de silencio con un movimiento mínimo añadiría mucho contexto e impacto. Una imagen tiene un efecto ecualizador, tu estas como inmóvil y sin animo, igual que la planta, pero como vuestros cuerpos se funden – el movimiento de tu cuerpo, por pequeño que sea se reflejaría en las hojas y creo que conseguiría un efecto más completo quizás. Tal vez sea muy escrupuloso decirlo, pero odio esa pequeña barra del metal en el fondo. Las texturas y los colores son perfectos, se mezclan de una manera llena de textura todos juntos, armonizando con las plantas y la piel de una manera organica. Pero tener un pequeño recordatorio de la industria como que distrae tal vez? Esto es sólo yo siendo demasiado meticuloso al respecto.
Tal vez podrías introducir una narración en la que poco a poco te vayas cubriendo de más y más tierra u hojas. Sal a la naturaleza por completo y deja que ahogue la imagen! Pero en general una gran muestra de unidad, creo quehay mucho que aprender y reconectar para todos nosotros aquí. El arte tiende a confundirse fácilmente, a veces pierde su propia trama, me gusta que muchos artistas lleven una narrativa individual muy pesada, como perdiendo la perspectiva de lo que realmente importa. No sé, me gusta mucho cómo captas el backstage en el pdf también, parece que tengo más sed de esa narrativa, quiero ver y saber más.
La integración, la simbiosis con uno mismo y con el mundo que nos rodea. Crear un sistema, una red, un amor entre uno mismo y el mundo exterior.
Gracias.
VIE
Hola Julio, hola clase !
Antes que nada, felicitarte por tu trabajo y por las reflexiones en torno a lo natural que nos ofrece su visualización.
Las imágenes con las que has documentado el proceso me parecen muy atractivas, el contraste que has propuesto entre el elemento natural (o el más natural) representado por las ramas y hojas frente a la dureza de la pared de hormigón sin duda da que pensar. En ocasiones, en esta reflexión entre la naturaleza y construcción humana de materiales que podemos llamar sintéticos o procesados, me surge la duda de dónde poner el fin en la definición de lo que es “natural”. Es cierto que el árbol , la rama , la hoja, la encontramos en ese estado sin intervención humana, sin embargo el hormigón, ¿no se compone también de otros elementos que podemos encontrar en la naturaleza? Miro tu obra y ese lugar es uno donde, para mi, nace un espacio de reflexión (algo que me parece un logro en una obra de arte), ¿dónde acaba lo natural y comienza lo artificial?, ¿existe realmente lo artificial como algo totalmente ajeno?
Coincido con el compañero Vadim Ibragimov, en que si has pensado en continuar esta línea de trabajo me encantaría ver cómo puedes integrar tu obra en un ambiente estrictamente, digamos, de bosque o campo. Entiendo que tu intención al trabajar frente al muro de hormigón tal vez desaparezca, sin embargo puede que descubrieras otras relaciones interesantes en otro medio.Creo que ese “cuerpo expandido» del que hablas en el dossier pudiese tal vez coger fuerza en “lo natural”.
Muchas gracias por tu presentación, un punto de partida de lo más interesante y una documentación muy cuidada.
Gracias por hacernos pensar !
Deseando ver donde desemboca tu obra en la siguiente entrega.
Un saludo !