Para esta entrega he revisado la acción que pensé en un principio, la de una acampada o un picnic, en un solar abandonado para reclamar la falta de espacio público en mi barrio de Málaga. Por un lado acampar me parecía de mal gusto por la de gente…
Para esta entrega he revisado la acción que pensé en un principio, la de una acampada o un picnic,…
Cristina con una de las vallas
Para esta entrega he revisado la acción que pensé en un principio, la de una acampada o un picnic, en un solar abandonado para reclamar la falta de espacio público en mi barrio de Málaga. Por un lado acampar me parecía de mal gusto por la de gente que vive en esas condiciones en la calle, y por otro lado lo del picnic no me parecía demasiado agradable finalmente con el calor que hace, y tampoco creo que tuviese algún impacto en los vecin*s. Así que después de los comentarios de mis compañer*s y de leer el libro de Mayte Garbayo Maetzu, Cuerpos que aparecen: Performance y feminismos en el tardofranquismo, al que me hizo mención Jaume después del ejercio de Re-Actment de la asignatura, me di cuenta que al «encerrarnos» en un solar, aunque fuera como «protesta», el rol de las «mujeres» siempre destinado al espacio doméstico o lo privado, se seguía perpetuando y quise romper con esto, abriendo directamente las vallas del solar en el íbamos a realizar la acción.
Esta idea de abrir la valla, hace referencia directa a un trabajo de Luz Broto, en el que retiro las vallas de un solar de Barcelona para colocarlo en un lugar expositivo. Nosotras realizamos la misma acción que ella, pero mostramos el proceso de «apertura». Esto para mí enlaza con la idea del arte colaborativo, y rompe con las ideas tradicionales sobre el arte, tanto como por hacer la acción con Cristina Álvarez, como por seguir el trabajo de Luz Broto. Por otro lado también puede enlazar con el trabajo que pude ver de Paula García en el que hago mención en mi constelación, ya que al igual que ella rompemos con los roles de la «feminidad».
El solar abierto
En este ejercicio, he intentado revisar un poco lo que se está haciendo actualmente, para encontrar nuevos referentes en las acciones que planeo y creo que también funciona mejor que la primera idea en el contexto de la ciudad. No sé que os parecerá.
Segunda iteración de la performance Para esta segunda iteración quise transformar la primera acción —una lectura de tarot digital con ChatGPT— en un gesto más visual y simbólico. A partir de los comentarios del profesor y de una compañera, comprendí que podía llevar la…
Segunda iteración de la performance Para esta segunda iteración quise transformar la primera acción —una…
Segunda iteración de la performance
Para esta segunda iteración quise transformar la primera acción —una lectura de tarot digital con ChatGPT— en un gesto más visual y simbólico. A partir de los comentarios del profesor y de una compañera, comprendí que podía llevar la propuesta a un plano más consciente desde lo estético, alejándome de la simple documentación de un encuentro íntimo.
En lugar de repetir la lectura, me convertí en la carta. Produje una imagen performativa inspirada en El Mago del tarot, carta que representa el poder de canalizar entre mundos. Me retraté con una proyección de luces sobre el rostro: una mitad azul, representando lo digital; la otra blanca, lo humano. En el ojo bañado por la luz azul incrusté el logo de ChatGPT, como metáfora visual del algoritmo que opera silenciosamente en nuestra percepción.
Esta imagen es una condensación poética del vínculo entre cuerpo, tecnología y símbolo. La acción ya no se basa en el diálogo con otra persona, sino en ofrecer una imagen que funcione como carta, como signo, como espacio de lectura e interpretación.
En esta nueva forma, la performance habita el terreno de lo visual y lo especulativo. El tarot deja de ser un recurso narrativo y se vuelve estructura. Yo ya no interpreto cartas: soy la carta.
Esta iteración responde al deseo de explorar otras materialidades posibles del proyecto y llevarlo al lenguaje de la imagen, del cuerpo intervenido y del signo abierto. Como toda carta del tarot, esta también necesita ser leída por otro para activarse. La pregunta sigue siendo la misma: ¿podemos conocernos sin conocernos? Pero ahora se formula desde la imagen.
Debatecontribution 0en Reto 4. 3 – Segunda iteración de la performance
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«Arraigo» parte de la constelación de ideas individuales, es una acción performativa de carácter retrospectivo inspirada en la obra “Mujer árbol” de Fina Miralles. El cuerpo humano dialoga con los elementos naturales en una asociación simbólica que pone en duda los límites entre lo natural y lo artificial. La acción realizada consiste en integrar el cuerpo con la naturaleza como si se tratase de un bosque, un paisaje, usando materiales como raíces, ramas y hojas, creando una sola imagen representativa.…
«Arraigo» parte de la constelación de ideas individuales, es una acción performativa de carácter retrospectivo inspirada en la obra “Mujer árbol” de Fina Miralles. El cuerpo humano dialoga con los elementos naturales en una asociación simbólica que pone en duda los límites entre lo natural y lo artificial.…
«Arraigo» parte de la constelación de ideas individuales, es una acción performativa de carácter retrospectivo inspirada en la obra…
«Arraigo» parte de la constelación de ideas individuales, es una acción performativa de carácter retrospectivo inspirada en la obra “Mujer árbol” de Fina Miralles. El cuerpo humano dialoga con los elementos naturales en una asociación simbólica que pone en duda los límites entre lo natural y lo artificial.
La acción realizada consiste en integrar el cuerpo con la naturaleza como si se tratase de un bosque, un paisaje, usando materiales como raíces, ramas y hojas, creando una sola imagen representativa. No se trata de un simple camuflaje, sino de un acto de transformación donde el cuerpo deja de ser sujeto para convertirse en una representación viva fuera del entorno.
El hormigón de fondo representa en su obra la estructura impuesta, lo artificial, lo construido por el ser humano. Esta es una de las tensiones centrales que cuestiona y explora el lugar del ser humano y su relación con el entorno.
El cuerpo no domina ni utiliza los elementos naturales, sino que se ofrece como superficie, como tierra fértil para otra forma de existencia.
Respecto al contexto social, “Arraigo” surge de la preocupación del deterioro que esta sufriendo el medio ambiente y su desarraigo social. La acción muestra la necesidad de replantear nuestra relación con el medio, no desde el consumo ni la explotación, sino desde un cuidado responsable. La acción busca reconstruir el entorno de una manera sostenible creando nuevos vínculos afectivos con el entorno.
En términos políticos, la obra cuestiona la explotación a gran escala de los recursos naturales que han convertido la naturaleza en objeto de mercado. La performance muestra una especie de resistencia, un cuerpo que encaja pero no conquista, sino que se rinde o se amolda, más bien se mimetiza recordando otras formas de existencia política basadas en la reciprocidad.
Desde un contexto teórico, «Arraigo» pone en práctica la idea de un «cuerpo expandido» que mira a redes más amplias de vida, en oposición a ideas modernas de individualismo y de separación.
Artísticamente, en esta acción, al igual que en los años setenta
he buscado romper las barreras entre arte y vida. Aquí, el arte no es representación, sino acontecimiento. El gesto de “enraizarse” es una acción de memoria queriendo recuperar la sensibilidad hacia un mundo compartido.
Magnifico uso tanto del cuerpo como de la fotografía, la colocación de ambos tu mismo con las hojas, crea un matrimonio muy bello para la vista. La metáfora de ser la tierra fértil en la que crece la naturaleza me parece muy hermosa; hay una cierta reconciliación con la naturaleza del cuerpo humano y un gran apoyo de la mente sobre el cuerpo, que rechaza la perspectiva individualista y se incorpora al éter.
He echado un vistazo al trabajo de Fina Miralles, creo que la idea y el enfoque son similares. Pero creo que su perspectiva era casi desde el punto de descomposición, los árboles la sustituyen y la cubren, ella se consume por la naturaleza que la rodea. En tu obra, la posición y el espacio, el cuerpo desnudo, la forma ondulada de todos los elementos naturales, representas más una simple danza o comunicación con el elemento de la naturaleza. Parece una captura de un momento de una danza o algo así, definitivamente hay más fluidez y paz.
Con tu ojo para la composición fotográfica y la estética, creo que dar el salto al formato de vídeo es una obviedad. Incluso un clip de 10 segundos de silencio con un movimiento mínimo añadiría mucho contexto e impacto. Una imagen tiene un efecto ecualizador, tu estas como inmóvil y sin animo, igual que la planta, pero como vuestros cuerpos se funden – el movimiento de tu cuerpo, por pequeño que sea se reflejaría en las hojas y creo que conseguiría un efecto más completo quizás. Tal vez sea muy escrupuloso decirlo, pero odio esa pequeña barra del metal en el fondo. Las texturas y los colores son perfectos, se mezclan de una manera llena de textura todos juntos, armonizando con las plantas y la piel de una manera organica. Pero tener un pequeño recordatorio de la industria como que distrae tal vez? Esto es sólo yo siendo demasiado meticuloso al respecto.
Tal vez podrías introducir una narración en la que poco a poco te vayas cubriendo de más y más tierra u hojas. Sal a la naturaleza por completo y deja que ahogue la imagen! Pero en general una gran muestra de unidad, creo quehay mucho que aprender y reconectar para todos nosotros aquí. El arte tiende a confundirse fácilmente, a veces pierde su propia trama, me gusta que muchos artistas lleven una narrativa individual muy pesada, como perdiendo la perspectiva de lo que realmente importa. No sé, me gusta mucho cómo captas el backstage en el pdf también, parece que tengo más sed de esa narrativa, quiero ver y saber más.
La integración, la simbiosis con uno mismo y con el mundo que nos rodea. Crear un sistema, una red, un amor entre uno mismo y el mundo exterior.
Antes que nada, felicitarte por tu trabajo y por las reflexiones en torno a lo natural que nos ofrece su visualización.
Las imágenes con las que has documentado el proceso me parecen muy atractivas, el contraste que has propuesto entre el elemento natural (o el más natural) representado por las ramas y hojas frente a la dureza de la pared de hormigón sin duda da que pensar. En ocasiones, en esta reflexión entre la naturaleza y construcción humana de materiales que podemos llamar sintéticos o procesados, me surge la duda de dónde poner el fin en la definición de lo que es “natural”. Es cierto que el árbol , la rama , la hoja, la encontramos en ese estado sin intervención humana, sin embargo el hormigón, ¿no se compone también de otros elementos que podemos encontrar en la naturaleza? Miro tu obra y ese lugar es uno donde, para mi, nace un espacio de reflexión (algo que me parece un logro en una obra de arte), ¿dónde acaba lo natural y comienza lo artificial?, ¿existe realmente lo artificial como algo totalmente ajeno?
Coincido con el compañero Vadim Ibragimov, en que si has pensado en continuar esta línea de trabajo me encantaría ver cómo puedes integrar tu obra en un ambiente estrictamente, digamos, de bosque o campo. Entiendo que tu intención al trabajar frente al muro de hormigón tal vez desaparezca, sin embargo puede que descubrieras otras relaciones interesantes en otro medio.Creo que ese “cuerpo expandido» del que hablas en el dossier pudiese tal vez coger fuerza en “lo natural”.
Muchas gracias por tu presentación, un punto de partida de lo más interesante y una documentación muy cuidada.
Gracias por hacernos pensar !
Deseando ver donde desemboca tu obra en la siguiente entrega.
Conocernos sin conocernos Enlace al vídeo: https://youtu.be/nIvWJCGy_ak Título de la performance: Conocerte sin conocernos: lectura íntima a través del…
Conocernos sin conocernos Enlace al vídeo: https://youtu.be/nIvWJCGy_ak Título de la performance: Conocerte sin conocernos: lectura íntima a través del tarot digital Texto: Mi primera performance surge de una conexión inesperada: un encuentro virtual con Laura, quien, como yo, no tenía grupo asignado. Nuestra unión fue…
Conocernos sin conocernos Enlace al vídeo: https://youtu.be/nIvWJCGy_ak Título de la performance: Conocerte sin conocernos: lectura íntima…
Título de la performance: Conocerte sin conocernos: lectura íntima a través del tarot digital Texto: Mi primera performance surge de una conexión inesperada: un encuentro virtual con Laura, quien, como yo, no tenía grupo asignado. Nuestra unión fue casi accidental, pero de ese azar nació una complicidad real. Inspiradas por la distancia y la virtualidad, decidimos explorar el tema del “conocimiento sin presencia física”. Así nació la pregunta que guía esta acción: ¿podemos conocernos sin habernos tocado nunca? Nuestra primera idea fue estructurar un cortometraje de videollamadas entre dos desconocidas, recorriendo un día de conexión progresiva. Sin embargo, en la práctica, la performance se volvió otra cosa. Los errores técnicos, las risas, las interrupciones, y el caos que se generaba espontáneamente —más que obstaculizarnos— nos mostraban un camino más auténtico. En lugar de seguir un guion, nos encontramos en lo imprevisto. Fue entonces cuando propuse un elemento íntimo y simbólico: una lectura de tarot asistida por ChatGPT. Me daba miedo introducir algo tan personal o “extraño”, pero Laura lo acogió con total apertura. Esto transformó la performance en un diálogo vulnerable y emocional, donde las cartas se convirtieron en espejo. Más allá de lo esotérico, el tarot funcionó como dispositivo introspectivo, catalizador de temas profundos que no habrían emergido en una conversación racional. Los referentes que más me han acompañado en este proceso son The Artist is Present de Marina Abramović (presencia como núcleo del vínculo), y One and Three Chairs de Joseph Kosuth (la relación entre idea, objeto y representación). También cito a Kant y su noción de “belleza como finalidad sin fin”, ya que la acción no buscaba un resultado cerrado, sino que se mantuvo abierta a lo que ocurriera. El error, la espera, la risa, la incomodidad: todo se volvió materia performática. Esta experiencia me enseñó que el arte sucede cuando dejamos de forzar, y permitimos que las relaciones se construyan desde lo humano. Mi intención no fue “actuar” sino “estar”. No quise decir algo, sino habitar el decir. Y eso, curiosamente, fue lo más político de todo: abrir un espacio de intimidad en un medio saturado de ruido y máscaras.
Bibliografía (APA 7ª edición)
Abramović, M. (2010). The Artist is Present [Performance]. The Museum of Modern Art.
Kant, I. (2003). Del arte bello. En Crítica del discernimiento (pp. 270–288). Madrid: A. Machado Libros.
Kosuth, J. (1965). One and Three Chairs [Instalación]. Museum of Modern Art.
Liessmann, K. P. (2006). Filosofía del arte moderno. Barcelona: Herder.
Nauman, B. (1974). Body Pressure [Performance].
Platón. (1981). Hipias mayor (L. Gil, Trad.). Madrid: Gredos.
Valverde Pacheco, J. M. (1973). La estética antigua y medieval. Barcelona: Ariel.
Valverde Pacheco, J. M. (1974). La estética moderna. Barcelona: Ariel.
Valverde Pacheco, J. M. (1975). La estética contemporánea. Barcelona: Ariel.
Yogananda, P. (2006). Autobiografía de un yogui. Los Ángeles: Self-Realization Fellowship.
Debatecontributions 2en R4.1 – Primera Interacción
Andrea El Ameri says:
Visibilidad: Pública
Hola Chicas! Gracias por compartir esta propuesta. Me parece muy valioso cómo han conseguido generar un espacio de intimidad y apertura en un entorno virtual, donde muchas veces prima la desconexión emocional. Coincido contigo en que hay algo profundamente político en crear vínculos afectivos con personas que no conocemos, en permitir que la vulnerabilidad tenga lugar incluso a través de una pantalla. Esa decisión, en sí misma, me parece un gesto fuerte y significativo.
Dicho esto, me surge una reflexión en torno a los límites entre lo performático y lo que podríamos entender como una acción personal o relacional. Me pregunto hasta qué punto esta experiencia entre dos compañeras, por más cargada de sentido que esté, se sitúa dentro del marco de una performance como intervención artística. ¿Qué lo diferencia de un encuentro íntimo espontáneo o de una conversación profunda entre amigas? ¿Qué hace que esto se constituya como obra, más allá del deseo de compartirlo?
También me interesa pensar cómo podría expandirse esta propuesta si saliera del marco privado. ¿Qué sucedería si esta lectura de tarot digital se ofreciera a otras personas en un espacio público, o si se abriera a múltiples lecturas simultáneas? ¿Cambiaría su carácter performático si hubiese una irrupción en lo cotidiano, o una exposición del acto en otro tipo de espacio?
Hola, Andrea.
Gracias por compartir esta propuesta, que me pareció tan poética como política en su planteamiento. Me llamó la atención la forma en que lograste construir un espacio íntimo desde un soporte digital, algo que no siempre es fácil. La vulnerabilidad que mencionas está presente no solo en el vínculo generado, sino también en cómo decides compartirlo, sin protegerlo ni estetizarlo en exceso.
Tu reflexión sobre los límites entre lo performático y lo relacional es especialmente interesante. Coincido contigo en que uno de los grandes desafíos de este tipo de trabajos es definir qué convierte una experiencia privada en una acción artística. Y, en tu caso, creo que es justamente esa voluntad de exponer el encuentro con todas sus capas la que lo convierte en performance: no solo el momento, sino la forma en que lo piensas, lo editas y lo compartes, habilita su lectura desde una mirada artística.
Me resuena también lo que planteas sobre la posibilidad de abrir la experiencia a otros. La idea de una lectura de tarot expandida o pública me parece una vía muy potente para una futura iteración. Podría incluso tomar la forma de un ritual colectivo, un gabinete móvil de introspección guiado por IA, o una intervención donde otros espectadores reciban su “carta” leída desde tu misma lógica. Esta expansión podría reforzar la dimensión relacional, permitiendo que otras voces completen la acción.
Finalmente, me parece que la propuesta gana valor cuando se sitúa en diálogo con otras prácticas contemporáneas que, como la tuya, exploran nuevas formas de relación a través de dispositivos digitales. Hay algo muy contemporáneo en no renunciar a lo afectivo pese a lo artificial. Gracias por eso.
Para esta cuarta entrega me propongo hacer un picnic en un solar de el barrio en el que vivo en Málaga, en el que la dejadez del ayuntamiento en el cuidado de los espacios públicos, parece anunciar el proceso de gentrificación y expulsión de los vecin*s que está…
Para esta cuarta entrega me propongo hacer un picnic en un solar de el barrio en el que vivo…
Para esta cuarta entrega me propongo hacer un picnic en un solar de el barrio en el que vivo en Málaga, en el que la dejadez del ayuntamiento en el cuidado de los espacios públicos, parece anunciar el proceso de gentrificación y expulsión de los vecin*s que está sufriendo la zona de la Trinidad. Este barrio poco a poco se está amoldando a los turistas, que antes no tenían ningún tipo de interés en él e incluso lo consideraban peligroso. El nombre de este picnic alude también a las sesiones que se hacen en el Reina Sofía, en el barrio de Lavapies.
Aproximadamente hace dos años y como parte de una entrega para la asignatura Taller de Fotografía, ya abordé este tema en un proyecto que llame “Ciudad Redonda”, que es el claim que el ayuntamiento está utilizando para atraer a todo tipo de inversores y turistas.
Parte de las fotografías que hice para la entrega
Y es justamente eso, el atraer a todo, con precios que parecen más de capital europea que del sur de España y con sueldos muy por debajo de este baremo, lo que se está cargando la poca calidad de vida de los locales que no encuentran un trabajo más allá de la hostelería, o se tienen que mudar fuera de la ciudad por la subida del alquiler.
Primer solar descartado, que fué el mismo que en el de proyecto de foto
Para esta ocasión y enen este mismo solar, pensé en realizar una acampada de un día como escribí en mi constelación, pero eso requiere mucho esfuerzo físico y mental, y además este esfuerzo no tendría un verdadero impacto en los vecin*s ya que no podrían vernos desde fuera, ya que ese solar está ahora vallado y para realizar la acción tendríamos que colarnos en él.
Así que haciendo una pequeña búsqueda por el barrio, he encontrado otro solar en el que la vaya permite la visibilidad y creo que sería más “impactante” realizar la acción ahí. Esta idea me vuelve a recordar a la obra de Fina Miralles, Imatges del Zoo y podría también estar relacionadas con acciones como las del colectivo Reclaim the Streets.
Durante la performance pretendo pasar el día ahí, como si fuese un espacio público, un parque o un sitio de playa. Me acompañará mi pareja, y creo que en principio la acción la haríamos solo las dos. No tengo mucho poder de convocatoria para hacer algún tipo de protesta colectiva, y entiendo que esta acción puede no resultar muy divertida para algún*s.
Solar v.II
La duración de la acción estará determinada por el cansancio, el aburrimiento, la luz o que quizá nos echen. Los objetos al igual que nosotras estarían en movimiento y registraría el proceso con la cámara de video y fotografías, el registro lo tengo que pensar mejor cuando se acerque el momento de hacer la acción, ahora tengo que calcular mas o menos cuando pasa más gente por ahí, que horas de luz tiene y como nos podemos meter y que llevar al picnic. Ya se verá.
Debatecontributions 4en Performance Entrega 4.1 | Picnic del Barrio
Jordi Ferreiro Ouro says:
Visibilidad: Pública
Hola Estefanía,
Me parece muy potente el gesto que propones, precisamente por su sencillez. Hacer un picnic en ese contexto dice mucho sin necesidad de grandes formas. Se me ocurre que el registro podría explorar una mirada externa, como si alguien del barrio os observara desde fuera; creo que eso podría sumar una capa muy interesante al relato.
También pensé en el trabajo de Lois Weaver, que convierte lo íntimo en acto público desde el cuidado, la conversación y la escucha. Creo que te podría inspirar.
Estaba pensando en lo del registro y aún no lo tengo claro, pensé en una cámara barata de las de amazon para no tener que preocuparme y así como tú dices tener el registro de la mirada externa, porque colocar un trípode o que alguien grabe creo que quizá intimidaría. Aún así siendo práctica creo que colocaré la cámara al fondo, para no tener que preocuparme de que se caiga, se mueva o se la lleven. Pero tendré en cuenta lo que me dices para darle una vuelta.
No conocía a Lois Weaver, muy buena referencia, me gusta tb el trabajo que hace con su pareja.
Hola, Estefanía.
Gracias por compartir tu propuesta, que me parece no solo valiente sino muy necesaria. “Picnic del barrio” activa de forma clara y eficaz una dimensión política que interpela directamente al contexto urbano, económico y social de Málaga, y más específicamente al barrio de la Trinidad. Tu decisión de situar el cuerpo y el gesto cotidiano del picnic en un solar afectado por los procesos de gentrificación, convierte una actividad aparentemente banal en una forma de ocupación simbólica y crítica del espacio.
Uno de los aciertos más potentes de tu propuesta es cómo vinculas tu propia experiencia y trayectoria (como en el proyecto fotográfico “Ciudad Redonda”) con una acción performativa. El picnic no se presenta como una solución, sino como un acto de visibilidad, una manera de evidenciar los límites entre lo público y lo privado, lo legal y lo legítimo, lo habitable y lo expulsado.
La referencia a Fina Miralles y al colectivo Reclaim the Streets aporta un marco conceptual sólido. En particular, me gusta que plantees la acción no como un espectáculo sino como una presencia, abierta incluso al fracaso o al desalojo. El hecho de que la duración esté sujeta al cansancio, la luz o la intervención externa, añade una dimensión performática genuina: es el entorno el que determina en parte la obra.
Si en futuras iteraciones decides ampliar la participación, incluso desde lo informal (vecin*s que se acercan, conversaciones espontáneas), podrías abrir nuevas capas de sentido sin perder la intimidad del gesto original.
Gracias por ocupar un lugar que muchos no quieren mirar. Tu acción resignifica el solar como lugar de vida, resistencia y memoria urbana. Espero con interés el registro final.
Oh gracias Judith, que bonito lo que escribes. Aún no tengo claro qué hacer, si quedarme quieta, si hacerlo sola o como tú propones interactuar. Esta semana probaré. Gracias de nuevo :)
Hola, compañeros Para este reto de reinterpretación he elegido la pieza de One and Three Chairs (Una y tres sillas) de Joseph Kosuth One and Three Chairs (Una y tres sillas) Joseph Kosuth Toledo , Ohio, EE.UU., 1945 Fecha: 1965 Técnica descriptiva: Obra formada por una silla de…
Hola, compañeros Para este reto de reinterpretación he elegido la pieza de One and Three Chairs (Una y tres…
Hola, compañeros
Para este reto de reinterpretación he elegido la pieza de One and Three Chairs (Una y tres sillas) de Joseph Kosuth
One and Three Chairs (Una y tres sillas)
Joseph Kosuth
Toledo , Ohio, EE.UU., 1945
Fecha: 1965
Técnica descriptiva: Obra formada por una silla de madera, la fotografía de la silla y ampliación fotográfica de la definición de la voz «silla» en el diccionario
Dimensiones: Pieza derecha: 52 x 80 cm / Pieza izquierda: 110 x 60 cm / Pieza central: 81 x 40 x 51 cm
Categoría: Escultura
Año de ingreso: 2000
Descripción de la obra:
Joseph Kosuth hizo One and Three Chairs como su obra de arte conceptual durante 1965. La obra de arte muestra tres componentes que comprenden una silla física, así como su imagen y una letra grande de una entrada de diccionario para «silla». A través de esta estructura de tres partes, el espectador participa en una meditación sobre cómo los objetos se conectan tanto con imágenes visuales como con definiciones lingüísticas. El concepto artístico rechaza las prácticas artísticas convencionales porque enfatiza las ideas sobre los elementos físicos.
Contexto histórico y conceptual:
A través de este trabajo conceptual, el artista reaccionó a la formalización artística mientras luchaba contra la explotación del mercado del arte durante el movimiento de arte conceptual de la década de 1960. Como uno de los principales artistas conceptuales, Kosuth trabajó para eliminar la naturaleza física del arte presentando ideas y sistemas intelectuales en lugar de obras de arte tangibles. A través de Uno y Tres Cátedras, Kosuth investiga el impacto de las representaciones textuales y las visualizaciones de imágenes en la comprensión de la realidad mientras investiga qué constituye el arte y cómo se comporta como comunicación.
Interpretación de la obra:
La atmósfera cultural explosiva de la década de 1960 produjo una y tres sillas como un evento esencial en el desarrollo del arte conceptual. La obra de arte de Kosuth va más allá de los elementos físicos porque selecciona artículos cotidianos (silla junto con fotografía y texto) para construir una pieza que se centre en una idea. A través de esta pieza, el artista investiga tanto los significados artísticos como los poderes del lenguaje y las imágenes para transformar nuestra comprensión de la realidad.
Kosuth describió «el arte como la definición del arte» a través de esta obra de arte que presenta claramente su filosofía artística. A través de su disposición de una silla con foto y texto, Kosuth anima a los espectadores a entender cómo se conectan estos elementos entre sí. El significado singular de esta pieza elude la definición, ya que los espectadores la interpretarán de acuerdo con sus perspectivas individuales.
La estructura conceptual de Una y Tres Sillas sigue siendo la misma en mi adaptación contemporánea, pero introduje modificaciones importantes para adaptarse a las perspectivas modernas. Mi trabajo emplea una imagen digital en mi iPad de la definición textual y histórica de la silla, mientras que la imagen una silla es proyectada en la pared en lugar de la fotografía original. La obra de arte incluirá tres etapas: primero grabare los tres objetos, la silla la proyección y la definición , luego me sentaré en la silla y a través de la lectura de la definición que leeré en el iPad interactuare con el proyecto.
Estas modificaciones introducirán elementos interactivos y cualidades basadas en el tiempo para establecer cómo las implementaciones tecnológicas y las técnicas de rendimiento transforman las ideas abstractas en presentaciones dinámicas. A través de esta nueva interpretación, el proyecto sondeará nuestra relación de la era moderna con los objetos, así como con las imágenes y el lenguaje debido a las herramientas digitales y las plataformas de redes sociales.
Esta sencilla obra de arte titulada One and Three Chairs contiene investigaciones profundas tanto sobre la naturaleza artística como sobre los mecanismos de observación humana. Con el fin de revitalizar el enfoque conceptual de Kosuth, redefiniré la pieza para nuestro moderno mundo virtual tecnológico. A través de este trabajo obtuve un conocimiento más sólido sobre la pieza original y desarrollé una comprensión más profunda de su importancia durante los tiempos actuales.
Bibliografía:
Kosuth, J. (1965). One and Three Chairs [Installation].
Artforum. (n.d.). Art as Idea: Joseph Kosuth and Conceptual Art.
Baigorri Ballarín, L. (s/f). Los inicios del vídeo de creación. Recurso UOC.PID
Debatecontributions 3en RETO 2.1 Actividad Flash de Interpretación
Mónica Gómez Sánchez says:
Visibilidad: Pública
Hola, Judith, me ha encantado tu representación de One and Three Chairs, por afinidad, es decir, se me podría haber ocurrido a mí perfectamente (que no ha sido el caso ;)), pero sí he trabajado de manera similar porque mezcla los dos contextos, hibridar lo analógico y lo digital. Yo me he forzado a operar desde otra perspectiva, utilizando el texto como “cuerpo”.
Pero a lo que vamos, actualizas la obra original al contexto digital y tecnológico contemporáneo. Al introducir el iPad y la proyección como elementos centrales, expandes la reflexión de Kosuth sobre la representación y el significado de los objetos hacia una dimensión mediada por las pantallas y la virtualidad.
En común, tanto en tu obra como en Presión Social, trabajamos con el lenguaje y la imagen como medios de reflexión sobre la realidad, aunque en enfoques distintos (como ya decía). En tu caso, el uso de dispositivos digitales transforma la pregunta sobre qué constituye una silla en una cuestión sobre la relación entre lo tangible y lo inmaterial en la era digital. En mi propuesta, la palabra no solo describe una situación, sino que genera una experiencia de conciencia sobre la presión social. Lo dicho, utilizamos el lenguaje y la representación para generar nuevas lecturas de nuestro entorno, desde perspectivas individuales.
Hola Judith
¡Qué interesantes tus (¿tres?) sillas!
Tu propuesta es una buena reinterpretación artística, ya que mantiene la esencia y el tema de la obra original, cuestionando la relación entre lenguaje, imagen y objeto, reflexionando sobre los sistemas de representación y las relaciones que tienen estos con los objetos en diferentes medios. Es interesante que hayas incorporado a través del vídeo capas de temporalidad, dinamismo y acústica, generando una nueva relación entre obra y espectador.
Tus sillas aportan nuevas perspectivas al diálogo sobre la representación:
La proyección de la silla mantiene la esencia de la silla fotografiada de Kosuth, sólo que mantiene un grado de iconicidad ligeramente al tratarse de una proyección. Por otro lado, este cambio localiza la silla dentro del propio espacio representativo. La silla física, real, participa en la performance no sólo figurando sino también ejerciendo se asiento. La definición de la silla en vídeo, aporta tiempo, tu voz e imagen como artista performer.
Me parece muy interesante la performance que has decidido reinterpretar y, digo reinterpretar y no copiar porque encuentro que has conseguido a la perfección la acción o consecuencia que el autor quería conseguir, pero llevada a tu terreno y pudiendo adaptarla a la imagen contemporánea actual.
La incorporación de la imagen en la pared introducida con un proyector y el hecho de que la entrada del diccionario sea una entrada accionada por un IPad a través de internet encuentro que hace que tu performance sea más excepcional, es otra nueva forma de que el público pueda conectar con la obra de distinta manera pero que sostenga el mismo resultado que la original.
Me ha gustado que tu forma de interactuar con el elemento sea el poder usar el objeto, el ver la imagen en la pared y el que puedas leer a la vez la definición, ya que encuentro que puedes observarlo con todos los sentidos y además añades la tecnología a la obra, haciendo que, además de tratar la obra artística como tal, puedas convertirte tu o el espectador en parte de ella.
Aquí el enlace de la acción: Aquí la descripción de la performance original: https://www.olgadiego.com/p/avestruz.html?m=1 En ella la artista quiere reflexionar sobre el…
Aquí el enlace de la acción: Aquí la descripción de la performance original: https://www.olgadiego.com/p/avestruz.html?m=1 En ella la artista quiere reflexionar sobre el miedo, representando la angustia y dificultad para salir de un proceso de ansiedad, en el que el único objetivo sería desaparecer y encontrar un lugar de…
Aquí el enlace de la acción: Aquí la descripción de la performance original: https://www.olgadiego.com/p/avestruz.html?m=1 En ella la artista quiere…
En ella la artista quiere reflexionar sobre el miedo, representando la angustia y dificultad para salir de un proceso de ansiedad, en el que el único objetivo sería desaparecer y encontrar un lugar de cobijo y protección, como cuenta Olga Diego en su propia web.
Yo la he elegido por representar de una manera simple esa idea de desaparecer de alguna manera, que he podido sentir en los momentos más bajos. También creo que esta acción puede tener múltiples interpretaciones, entre ellas por la situación de vulnerabilidad de la propia posición en la que hay que ponerse, por lo que he querido acentuarla con el plano de la cámara.
Reinterpretando también la performance, he cambiado la localización original a una playa de Málaga, por todo lo que implica el mediterraneo y las crisis de refugiados, ya que existe una expresión famosa en inglés que dice “bury the head in the sand” algo así como evitar un problema o una situación, también por eso no se ve el mar. Por otro lado también he querido hacer un guiño a los clásicos elementos de la performance como la tierra, el agua o la arena, recordando a los trabajos de otr*s artistas como Ana Mendieta.
En relación con los artículos creo que el re-actment es una buena manera de aprender y ponerse en el lugar del otr*. Cierto es que hay algunas obras que serían mejor dejarlas tal y como estaban, hay una conversación sobre esto (y muchos otros temas) de Ulay y la Abramovic: https://channel.louisiana.dk/video/marina-abramovi%C4%87-ulay-no-predicted-end
En mi opinión es una buena forma de dar a conocer obras míticas y también acercar al público general el arte, rompiendo la idea de genio y haciéndoles saber que ell*s también pueden hacerlo. Como decía Esther Ferrer en un artículo para el país “La performance es la forma de arte más democrática que existe. No necesitas nada para hacerla, solo pensar en como llevarla a cabo».
Además esta acción de meter la cabeza en la tierra, se ha utilizado como protesta en diferentes manifestaciones como en las de la crisis climática en Australía, aqui el enlace
He subido el video sin ningún tipo de edición para intentar mantener la esencia de la performance más clásica. Espero que os guste, un saludo
Debatecontributions 2en Entrega 2.1.Re-acment de Avestruz-Ostrich de Olga Diego
Begoña Álvez Souto says:
Visibilidad: Pública
Hola Estefanía, encantada de saludarte.
Me ha gustado mucho tu elección de la performance. En cuanto a tu reinterpretación, creo que has logrado resignificarla de manera que se vuelve algo más social y política que la original. Elegir la playa me parece que refuerza el doble sentido de la acción, por un lado la idea del miedo y la necesidad de protección, y por otro, el gesto de ignorar problemáticas tan urgentes y actuales como la crisis migratoria del mediterráneo.
Tu guiño a Ana Mendieta también me parece muy acertado en cuanto al modo en que se relacionan los elementos naturales en la performance. Ese cuerpo en contacto con la tierra, el agua o la arena, puede simbolizar varias cosas a la vez, refugio y pérdida, y en tu caso además, se conecta con la invisibilización de ciertas realidades.
Tu referencia a la expresión “bury the head in the sand” creo que añade nuevas capas de significado a la obra original. También me llama la atención lo que mencionas sobre el re-actment como herramienta de aprendizaje y democratización del arte. En mi versión de Semiotics of the Kitchen, también he buscado actualizar una performance feminista para conectar con problemáticas actuales. Creo que en ambos casos hemos transformado una performance en algo que continua dialogando con la sociedad contemporánea reforzando la idea de que esas obras siguen vigentes y pueden ser reinterpretadas desde distintas perspectivas.
En cuanto a tu decisión de no editar el vídeo, ¿cómo crees que hubiese cambiado la percepción del espectador si hubieses introducido algún tipo de montaje o sonido, habría afectado a la sensación de crudeza que has querido transmitir?
Enhorabuena por tu trabajo.
Un saludo
Begoña
Hola Begoña, gracias por tus comentarios y siento contestarte tan tarde, entre que el folio no me funcionaba y me operaron la semana pasada he dejado esto un poco en pausa.
Pues en cuanto a lo que me preguntas creo que hubiese desviado un poco la atención si hubiese hecho algún tipo de montaje, varios planos o añadido música, como que en realidad no apartaban nada. En sí todo me parece muy «teatral» como escoger ese punto de vista, la vaya de fondo, el sonido de las olas, los restos de las cañas.. Entonces no quería que fuese demasiado exagerado a pesar de la localización. Quizá podría haber probado más cosas pero me salió así
Me ha gustado como has adaptado tú también el video mítico de Marta Rhosler. Un saludo, nos vamos viendo :)
Presentación a través de una Performance: «The Artist is Present» de Marina Abramović Artista: Marina Abramović Título de la acción: The Artist is Present Año: 2010 Tema abordado: Presencia, conexión humana y espiritualidad en el arte de la performance. Enlace para visualizarla:Marina & Ulay…
Presentación a través de una Performance: «The Artist is Present» de Marina Abramović Artista: Marina…
Presentación a través de una Performance: «The Artist is Present» de Marina Abramović
The Artist is Present mostró a Marina Abramović sentada en silencio en el atrio del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) durante tres meses, mientras que una persona a la vez se sentaba frente a ella para permitir experiencias visuales compartidas. A través de la completa abstención del diálogo y el toque corporal, el espectáculo expuso tanto la esencia de estar presente como las capacidades máximas de comprensión del lenguaje de señas. Durante los encuentros, numerosos participantes sintieron fuertes sentimientos que llevaron a episodios de llanto o a una profunda contemplación.
Motivación para elegir esta performance
Mi selección de esta actuación se origina en su exploración de los lazos humanos espirituales y las experiencias de buceo actuales a través del compromiso facial. La acción de rendimiento directa utilizada por Abramović crea una resonancia emocional abrumadora. La actuación muestra la importancia del contacto visual como un método irred de comprensión entre las personas y esta visión impulsa mi enfoque artístico para estudiar la atención plena mientras exploro las relaciones humanas en sus niveles emocionales y espirituales más profundos.
Análisis del cuerpo, el espacio y la temporalidad
Abramović pone el enfoque esencial en su cuerpo mientras se mantiene inmóvil, lo que desestabiliza las actuaciones comunes que dependen del movimiento como elemento clave. Abramović somete a los visitantes a un espacio de atrio controlado del MoMA mientras redisea continuamente la dinámica artista-audiencia. El tiempo juega un papel crítico porque el rendimiento diario extendido ocurre a lo largo de los meses y crea experiencias de agotamiento físico y mental.
Rol de los objetos y reacción del público
La actuación carece de elementos materiales que Abramović suele utilizar en sus proyectos porque solo el artista y el espectador existen como entidades físicas. Seguir adelante sin influencias externas revela que la relación semiótica entre el intérprete y el espectador se iba fundamentalmente en la comunicación entre los cuerpos y los apegos emocionales del momento. Los miembros de la audiencia demostraron diferentes reacciones emocionales durante el encuentro silencioso porque algunas personas permanecieron tranquilas, pero otras comenzaron a llorar y algunos espectadores se sintieron incómodos debido a la proximidad.
Debatecontributions 2en RETO 1 Actividad flash de presentación
Judith Peris Gatell says:
Visibilidad: Pública
Hola, soy Judith, artista visual y estudiante de Bellas Artes. Mi trabajo explora la conexión entre lo divino y lo material, utilizando la luz como símbolo de creación e inspiración. Me gusta experimentar con distintos materiales y técnicas para transmitir la capacidad transformadora del arte. Disfruto viajar y crear, explorando nuevas perspectivas que nutren mi proceso artístico.
Yo también pensé en ello inmediatamente, ya que es una muestra extremadamente impactante de interpretación y emoción. Hace poco lo volví a ver con una amiga y, como era la primera vez que lo veía, acabó llorando.
Me ha parecido muy interesante tu elección de ‘The Artist is Present’ de Marina Abramović, especialmente por la manera en que explora la conexión humana a través del silencio y la mirada. Su capacidad para generar un impacto emocional tan fuerte solo con la presencia y el tiempo me recuerda a ‘The Maybe’ de Tilda Swinton, la performance que elegí para mi presentación. Aunque ambas comparten el uso del cuerpo como eje central y la ausencia de palabras, su enfoque es distinto: mientras Abramović establece un diálogo silencioso con el público a través del contacto visual, Swinton se aísla en una vitrina, convirtiéndose en un objeto de contemplación. Me resulta fascinante cómo, a pesar de estas diferencias, ambas performances provocan introspección y una fuerte carga emocional en el espectador. Me ha hecho reflexionar sobre cómo el arte de la performance puede transformar el espacio y el tiempo en experiencias profundamente significativas. Marina, a pesar de su inmovilidad, participa de forma activa en su obra, mira al observador, hay una especie de acción en ella. Tengo entendido que Tilda intentó literalmente ignorar a tanta gente como pudo, lo que demuestra la diferencia de enfoques. Gracias por su elección.
Hola a todxs, yo repito ejercicio ya que el año pasado empecé la asignatura pero la tuve que dejar por motivos de salud, en la anterior entrega escogí a un referente muy importante para mí, Esther Ferrer. Pero para no repetirme he pensado en otra artista también importante…
Hola a todxs, yo repito ejercicio ya que el año pasado empecé la asignatura pero la tuve que dejar…
Hola a todxs, yo repito ejercicio ya que el año pasado empecé la asignatura pero la tuve que dejar por motivos de salud, en la anterior entrega escogí a un referente muy importante para mí, Esther Ferrer. Pero para no repetirme he pensado en otra artista también importante y referente de mis últimos trabajos de fotografía como es Valie Export.
Artista: Valie Export
Acción: Aus Der mappe der hundigkeit
Año:1968
Temas: roles de género, identidad, espacio público
Valie Export(Austria, 1940) es pionera del movimiento feminista tanto en Austria como internacionalmente, con su trabajo a cuestionado como las mujeres son representadas en los media, y su papel en el espacio público y privado, entre otros muchos temas, usando para esto su cuerpo como principal herramienta.
Ella no trabaja exclusivamente con la performance, ya que utiliza también el video o la fotografía de una manera muy personal, y no solo como medio para documentar las acciones, si no también pensando en como escenificarlas para crear una buena fotografía a partir de estas.
Uno de los trabajos que más me gustan son sus «Body Configurations», donde investiga como de múltiples maneras se puede relacionar el cuerpo con el espacio o con la ciudad, y como esto marca el comportamiento del sujeto. He encontrado un trabajo de fin de Grado sobre el tema de un estudiante de arquitectura, lo que refleja la influencia de su trabajo en otros ámbitos más allá del arte, y es que incluso Export ha influenciado a artistas como Rosalía, en el que la cantante copia su tatuaje en el muslo de la serie de «Body Sign Action».
Body ConfigurationsBody Sign Actions. Fuente: El Pais
Pero la performance que he escogido es una de las más más famosas que hizo junto a Peter Weibel «Aus Der mappe der hundigkeit». Del archivo de la condición canina y su manera de registrarlo. En ella ambos pasean por la ciudad de Viena en febrero de 1968, llamando la atención de un público muy conservador, inscribiéndose en una tradición accionista, y en la que pone en juego cierto orden simbólico, en el que revierte el comportamiento socialmente estandarizado y es que «la mujer activa lleva al hombre pasivo con una correa» como escribe Claudia Slanar en este artículo.
No he encontrado registro en video de la acción de la artista, creo que no los hay, pero sí que en YouTube hay diferentes re-makes de esta.
Otra de sus performances más conocidas es la de 1968, con «Cine de tocar y palpar», en la que hace participe al público de la acción, como parte de la obra de arte desarrollando una teoría del accionismo feminista que explican en este video de metrópolis, (alrededor de los 12:30m): https://www.rtve.es/play/videos/metropolis/valie-export/16000905/
En relación conmigo creo que comparto con ella la idea de hacer un arte feminista, que ponga en juicio lo que hemos aprendiendo de forma automática , y cuestione el papel de la mujer en la sociedad, los roles de género y el poder disciplinario. Además también me gusta mucho como ella se formó su propia identidad, nombrándose así misma, cosa que he hecho en diferentes ocasiones.
Un saludo a todxs!
Bibliografía
Vidiella Pagès, Judit (2019). Prácticas encarnadas y espacio. Fundación Universitat Oberta de Catalunya
Granda, David (2023, 7 Julio).Valie Export: el nexo transgresor entre el feminismo radical y Rosalía. El País
Buenas noches Estefania,
Me ha resultado curioso que hayas elegido a Valie Export, no solo por la manera en que su obra cuestiona las dinámicas de poder y los roles de género en el espacio público, sino porque su enfoque me remite a ciertos momentos de mi propia experiencia creativa y vital. Me hizo pensar en esos momentos en los que te encuentras con “gente haciendo cosas” sin tener del todo claro qué está ocurriendo, sin necesidad de etiquetas, ya sea por falta de referencias o porque simplemente se está explorando colectivamente.
Me parece fascinante Body Configurations y, aunque nada de lo que mencionas me es ajeno, nunca he vivido estas experiencias como una “performance” en sí misma. Tal vez por eso, con el tiempo, fui construyendo mi propio discurso en torno al cuerpo y su significado en distintos contextos. Pero me ha hecho preguntarme: ¿cómo podría retomarlo en primera persona de manera que me resulte orgánico para el TFG, me sería posible?
Al compararla con la performance que yo analicé, Performance in the Ramsbott Home de Nam June Paik, claro que ambos artistas buscan desafiar estructuras establecidas, aunque cada uno recurre a métodos distintos. Export lo hace desde un enfoque feminista y con intervenciones urbanas, mientras que Paik se apoya en la tecnología y la desmaterialización del cuerpo. Ambos comparten la idea de que una performance no termina en el acto en sí, sino que la documentación y el registro forman parte de su significado.
También veo diferencias en el uso del espacio. En tu ejemplo, la calle se convierte en un lugar de confrontación social, mientras que, en mi caso, la casa y el hogar funcionan como una extensión del cuerpo y de la percepción. Así, ambos trabajos expanden los límites de lo que puede considerarse una performance, pero lo hacen desde perspectivas muy distintas.
Un saludo. Nos leemos.
Gracias por tu comentario Mónica, me alegro mucho de que te sientas identificada con la obra de Valié Export y por otro lado creo que el espacio público puede ser un gran «laboratorio» donde experimentar las diferentes acciones que podemos hacer. Seguro que algo de esto puedes aplicar al TFG, aunque no sé que tienes pensado.
Un saludo! nos vamos leyendo sí, perdona que vi tarde el mensaje
Buenas tardes Estefanía!
He elegido tu entrada ya que la artista que has escogido me ha llamado bastante la atención y encuentro que se puede relacionar en manera con la performance que he escogido yo, en cuanto a los actos de poder relacionar el cuerpo con algo más allá de lo que podemos ver u observar normalmente y hacer de éste una exploración más allá de los sentidos.
Me llama la atención de la performance que has escogido el hecho de que la artista pueda tener la confianza suficiente sobre sí misma como para poder demostrar sus prácticas a un público el cual no está preparado para ello, y no hablo solo de la época, sino también de la escenografía. Ya que no es lo mismo ver este tipo de prácticas en museos o espacios cerrados que en medio de la calle y menos con un público conservador, como has dicho tú.
Creo que ahora estamos un poco más acostumbrados a ver este tipo de performances, pero no deben dejar de sorprendernos las pioneras que empezaron a demostrar que, por mucho que creamos que no, somos nosotras las que marcamos los límites de nuestro cuerpo a la hora de exponernos y, que muchas veces podemos ir mucho más allá.
Un saludo!
Hola Laura, sí me gusta también que sea un gesto simple, que algo tan sencillo como «sacar al perro» pudiera ser algo tan rompedor. Además sin usar algo muy provocador como podría ser un desnudo, sangre o cosas tipo así, que la verdad que hoy en día tampoco nos sorprenderían mucho.
¡Hola! Esta publicación se ha generado automáticamente en el Ágora. Te encuentras en el Ágora de la asignatura. En este espacio se recogerán todas las publicaciones relacionadas con las actividades que hagan los compañeros y compañeras del aula a lo largo del semestre. El Ágora es un espacio…
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¡Hola!
Esta publicación se ha generado automáticamente en el Ágora.
Te encuentras en el Ágora de la asignatura. En este espacio se recogerán todas las publicaciones relacionadas con las actividades que hagan los compañeros y compañeras del aula a lo largo del semestre.
El Ágora es un espacio de debate en el que estudiantes y docentes pueden ver, compartir y comentar los proyectos y las tareas de la asignatura.
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Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.
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Muy buenas Julio,
Tu acción cuestiona la división tradicional entre cultura y naturaleza, un tema que Miralles plasmaba en sus trabajos.
Cuando conviertes el cuerpo en tierra fértil, nos retrotraes millones de años donde las células se abrían paso en la naturaleza en la formación
humana, estábamos fusionados con la naturaleza. Cuestionas esa división.
Vemos una metamorfosis, cuando el cuerpo esta cubierto de hojas se crea un ecosistema, un espacio o receptáculo diferente
de germinación. En el S.XXI cuando el hombre interviene en la naturaleza y construye cosas artificiales moldeando esta naturaleza a su antojo,
nos preguntamos en muchas ocasiones donde esta esa división con la naturaleza, y la siguiente pregunta podría ser, la esencia del hombre es más
pura al desnudo o cubierto de hojas y raíces. En esa transformación circular de desecho, decadencia y reconstrucción o renacimiento pasando de
hombre – naturaleza – hombre, existiendo una hibridación.
Es un acto de fortalecimiento y resistencia poética, cuestionando esa división entre hombre y tierra. Remarcas la fragilidad
y fugacidad de la existencia en un marco de regeneración crítica. Pieza enmarcada en el retro-post-humanismo, la evolución mirando hacia
nuestras raíces. Has abonado tu trabajo de manera muy creativa e interesante.
Hola Julio! :)
Magnifico uso tanto del cuerpo como de la fotografía, la colocación de ambos tu mismo con las hojas, crea un matrimonio muy bello para la vista. La metáfora de ser la tierra fértil en la que crece la naturaleza me parece muy hermosa; hay una cierta reconciliación con la naturaleza del cuerpo humano y un gran apoyo de la mente sobre el cuerpo, que rechaza la perspectiva individualista y se incorpora al éter.
He echado un vistazo al trabajo de Fina Miralles, creo que la idea y el enfoque son similares. Pero creo que su perspectiva era casi desde el punto de descomposición, los árboles la sustituyen y la cubren, ella se consume por la naturaleza que la rodea. En tu obra, la posición y el espacio, el cuerpo desnudo, la forma ondulada de todos los elementos naturales, representas más una simple danza o comunicación con el elemento de la naturaleza. Parece una captura de un momento de una danza o algo así, definitivamente hay más fluidez y paz.
Con tu ojo para la composición fotográfica y la estética, creo que dar el salto al formato de vídeo es una obviedad. Incluso un clip de 10 segundos de silencio con un movimiento mínimo añadiría mucho contexto e impacto. Una imagen tiene un efecto ecualizador, tu estas como inmóvil y sin animo, igual que la planta, pero como vuestros cuerpos se funden – el movimiento de tu cuerpo, por pequeño que sea se reflejaría en las hojas y creo que conseguiría un efecto más completo quizás. Tal vez sea muy escrupuloso decirlo, pero odio esa pequeña barra del metal en el fondo. Las texturas y los colores son perfectos, se mezclan de una manera llena de textura todos juntos, armonizando con las plantas y la piel de una manera organica. Pero tener un pequeño recordatorio de la industria como que distrae tal vez? Esto es sólo yo siendo demasiado meticuloso al respecto.
Tal vez podrías introducir una narración en la que poco a poco te vayas cubriendo de más y más tierra u hojas. Sal a la naturaleza por completo y deja que ahogue la imagen! Pero en general una gran muestra de unidad, creo quehay mucho que aprender y reconectar para todos nosotros aquí. El arte tiende a confundirse fácilmente, a veces pierde su propia trama, me gusta que muchos artistas lleven una narrativa individual muy pesada, como perdiendo la perspectiva de lo que realmente importa. No sé, me gusta mucho cómo captas el backstage en el pdf también, parece que tengo más sed de esa narrativa, quiero ver y saber más.
La integración, la simbiosis con uno mismo y con el mundo que nos rodea. Crear un sistema, una red, un amor entre uno mismo y el mundo exterior.
Gracias.
VIE
Hola Julio, hola clase !
Antes que nada, felicitarte por tu trabajo y por las reflexiones en torno a lo natural que nos ofrece su visualización.
Las imágenes con las que has documentado el proceso me parecen muy atractivas, el contraste que has propuesto entre el elemento natural (o el más natural) representado por las ramas y hojas frente a la dureza de la pared de hormigón sin duda da que pensar. En ocasiones, en esta reflexión entre la naturaleza y construcción humana de materiales que podemos llamar sintéticos o procesados, me surge la duda de dónde poner el fin en la definición de lo que es “natural”. Es cierto que el árbol , la rama , la hoja, la encontramos en ese estado sin intervención humana, sin embargo el hormigón, ¿no se compone también de otros elementos que podemos encontrar en la naturaleza? Miro tu obra y ese lugar es uno donde, para mi, nace un espacio de reflexión (algo que me parece un logro en una obra de arte), ¿dónde acaba lo natural y comienza lo artificial?, ¿existe realmente lo artificial como algo totalmente ajeno?
Coincido con el compañero Vadim Ibragimov, en que si has pensado en continuar esta línea de trabajo me encantaría ver cómo puedes integrar tu obra en un ambiente estrictamente, digamos, de bosque o campo. Entiendo que tu intención al trabajar frente al muro de hormigón tal vez desaparezca, sin embargo puede que descubrieras otras relaciones interesantes en otro medio.Creo que ese “cuerpo expandido» del que hablas en el dossier pudiese tal vez coger fuerza en “lo natural”.
Muchas gracias por tu presentación, un punto de partida de lo más interesante y una documentación muy cuidada.
Gracias por hacernos pensar !
Deseando ver donde desemboca tu obra en la siguiente entrega.
Un saludo !